2016: EL AÑO DE LAS EMOCIONES INTENSAS.

maxresdefault-1

Cada año las películas más elogiadas por la crítica y nominadas en grandes certámenes, son películas con temáticas y características similares. Cada año vemos compitiendo en la categoría principal de mejor películas en Los premios Oscar varios biopics como La teoría del todo, Foxcatcher, El codigo enigma, El renacido, Spotlight, La gran apuesta, Puente de espías, American Sniper y Selma; eso solo en los últimos dos años, lo que constituye a la mitad de las películas nominadas.

De esas adaptaciones inspiradas en personas y hecho reales casi siempre la mitad son películas de época, es decir; que cuentan con un gran trabajo artístico en el diseño de producción artesanal, el vestuario y los peinados, además de que nos muestran las costumbres y momentos relevantes de las épocas en que se desarrollan las historias. La películas de este tipo que llegan al más ambicionado lugar en los certámenes de cine, no son las únicas; El público incluso queda inconforme cuando no se incluyen obras como Trumbo o Concussion.

Este año los dramas históricos vuelven pero no alcanzan a ser la mitad de las contendientes tal vez porque este año las nominadas son nueve en lugar de ocho; Hidden Figures, Lion, Jackie y Hacksaw Ridge son las representantes de este genero que no deja de ser el favorito de los premios a la academia.

De estas las principales contendientes de este año, las mas difíciles de realizar puede que sean La la land y Lion. El año pasado tuvimos el placer de ver dos películas con producciones realmente impresionantes; una en el desierto caluroso y otra en las heladas montañas, una tuvo que dejar de filmar en las zonas brutalmente hostiles de Calgari en Canada por el deshielo y mudar el rodaje literalmente al fin del mundo, la otra estaba prevista para filmar en Broken Hill, pero por causa de una luvia inusual que hizo florecer el desierto se mudaron a Namibia don la hermosa Chalize se quebranta de rodillas haciéndose una con las preciosas dunas.  Claro ambas duraron menos de un año en completar tan complicados rodajes, mientras el extraño Wes Anderson filmaba también del modo más rebuscado y Richard Linklater llevaba doce años filmando con los mismos actores.

Los directores e plantean retos enormes y el resultado final es son películas asombrosas por su gran despliegue técnico y por su impactante belleza visual. A los Oscar casi nunca llegan películas con fotográfica sencilla, normalmente nos encontramos con obras muy artísticas y elaboradas como El gran Hotel Budapest, El Renacido o Gravity, películas con mucho estilo; sin embargo se cuelan obras que destacan por sus conmovedoras y emocionales historias y por la entrega del reparto en cada interpretación como en el caso de Room, de las películas más sencillas que he visto a nivel técnico pero que se te mete en el pecho como una flecha salvaje. Otra excepción es Spotlight, que incluso terminó siendo para los expertos de la academia la mejor película del certamen. Las películas como Spotlight se enfocan casi totalmente en la historia y no en el estilo, mientras que historias como el renacido son opacadas por el estilo visual. En la actualidad la estética visual se vuelto muy importante y se nota incluso en jóvenes directores como Damien Chazelle. Este año lamentamos la terrible ausencia de The neon demon por Nicholas Winding Refn, que cuenta con la fotografía mas bella e impactante.

neon3061243-poster-1920-the-neon-demon.jpg

El año pasado vimos a Mad Max: Fury road y a The revenant enfrentándose cara a cara con sus exuberantes producciones y sus monumentales trabajos de cinematografía; este año sin embargo no nos encontramos con semejantes producciones aunque sí con historias cargadas hasta la médula de emociones intensas, muy intensas, empezando con Manchester by the sea que cuenta la historia de Lee Chandler (Casey Affleck) un solitario encargado de mantenimiento de edificios de Boston que se ve obligado a regresar a su pequeño pueblo natal tras enterarse de que su hermano Joe ha fallecido. Allí se encuentra con su sobrino de 16 años, del que tendrá que hacerse cargo. De pronto, Lee se verá obligado a enfrentarse a un pasado trágico que le llevó a separarse de su esposa Randi (Michelle Williams) y de la comunidad en la que nació y creció.

the-revenant-emmanuel-lubezki-forest-goodluck.jpg

behind-the-scenes-of-mad-max-fury-road-2.png

Manchester by the sea nos intercala el presente y el pasado de un hombre rebelde pero triste con el estilo de los conmovedores largometrajes de animación japonesa, todo sucediendo en un radio muy pequeño y enfocándose en los sentimientos y memorias de los personajes que deambulan de un lado a otro mientras esperan poder enterrar a su familiar fallecido. Casey Affleck se destaca particularmente al adueñarse de una tristeza profunda y un trauma perturbador mostrándonos aun personaje distinto a los que vemos siempre, uno sin una gran ambición, sin un gran sueño, sin un romance, sin actos heroicos y sin poder para salir de su tormento. El momento que para mí destaca más por su genialidad y profundidad emocional es una escena en la que Lee pone a cocinar una salsa y se queda dormido en el sofá de la casa mientras en la televisión transmiten un juego, al despertar sus dos hijas están junto a él y una de ellas le dice: Papá, ¿no te das cuenta que os estamos quemando? sencillamente desgarrador. Los personajes no se comportan como victimas de la vida o de las desgracias, solo viven con el dolor sin esperar sanar pronto. De las mejores formas de presentar a un alma perdida y solitaria en la gran pantalla, sobretodo porque esperas ver la redención de los personajes, pero no lo ves; sencillamente te quedas allí navegando con ellos en su dolor.

manchester-by-the-sea-nominada-mejor-pelicula

Mientras Casey Affleck camina triste cerca de mar, desde el pasado la esposa del difunto presidente de los Estados Unidos se apodera de la pantalla con unos ojos llenos de frustración y dolor; No se siente la desolación que transmite Manchester by the sea, pero sí te lleva a una entrevista muy intima con el corazón de una primera dama descorazonada que prefiere ocultar la mitad de sus pensamientos y mostrar solo el lado más luminoso. Para mí, la mejor interpretación femenina del año gracias al aterrador compromiso de Nathalie Portman. Si queríamos un personaje excepcionalmente drámatico, ese es Jackie y su reacción después del atentado a Kennedy.

Jackie-Natalie-Portman.jpg

Las películas de este año se volvieron penetrantes, hirientes, introspectivas, y apasionadas. Nos encontramos a una Amy Adams doblemente introspectiva, primero en Nocturnal Animals de Tom Ford donde es llevada a una fantasía que le restriega el pasado con el ex marido en la cara de la forma mas cruda, bizarra, cruel y artística, luego en Arrival donde sus memorias mas dolorosas no son del pasado sino del futuro pero la que película que conquista las mas entrañables emociones es Lion, contándonos la historia real de un niño que se perdió en Calculta a los cinco años y que veinticinco años después logra volver a casa y reencontrar a su familia. No hay nada mas conmovedor que un niño que sufre y no hay nada peor que le pueda pasar a un niño que perderse lejos de casa. Basada en una historia real y con desgarradoras imágenes de archivo al final de la cinta, Lion y Dev Patel nos regalan dos horas de realidad enmarcada en una muy bien aprovechada estética visual.

https-%2F%2Fblueprint-api-production.s3.amazonaws.com%2Fuploads%2Fcard%2Fimage%2F281971%2Fsunny_pawar.jpg

Jackie, Lion y Manchester by the sea se enfrentan en los oscar dentro de la categoría principal a Moonlight, una historia contada en tres actos escogidos pensando los momentos decisivos del protagonista en su niñez, su adolescencia y su adultez. De esta película su director dijo que al principio pensó en escoger actores que se parezcan físicamente para las distintas etapas de Chiron, el niño afroamericano que descubre su homosexualidad en un mundo hostil de violencia y drogas. Sin embargo optó por unir a estas tres etapas a través de las emociones, resultando en un personaje con distintas caras, pero con la misma mirada y las mismas emociones. Moonlight es un drama tan realista en su realización y tan intimo que parece un documental. Con un tema tan universal en la actualidad como la homosexualidad, la idea de mostrar la experiencia de un afroamericano de una forma tan sutil y para nada forzada o estridente es artisticamente admirable.

En Moonlight, sin embargo el personaje más intenso es el de esta señora:

moonlight-screenshot-2016-08-01-17-40-18_rgb.jpg

La madre de Chiron, una drogadicta que con los años termina en un centro de rehabilitación. La actriz Naomi Harris afirma que no tuvo tiempo de ensayar al personaje y su único contacto con la condición de Paula fueron los videos testimoniales de mujeres rehabilitadas que están en Youtube; entre ella, Portman y Viola se encuentran las interpretaciones femeninas de mayor calibre junto a la grande Isabelle Huppert en Elle.

Las interpretaciones masculinas por su parte también gozan de agudeza y pasión, de vehemencia e intensidad. Los titantes como ya mencioné son definitivamente Casey Affleck y Viggo Mortensen,pero también destacan los esforzados Maherzhala Alí y Denzel Washinton que a diferencia de lo ocurrido el año pasado con el asunto controversial de los #OscarSoWhite, este año los actores afroamericanos demostraron su gran talento con obras tan relevantes como Talentos ocultos, Moonlight y Fences. Nos encontramos con un Mahershala Alí que no descansó entre obras y se movía de una ciudad a otra para grabar sus lineas en Hidden Figures y en Moonlight, lo mismo con la señorita Janelle Monáe. En 2016 hasta el expresidente Obama alzó la voz con lo que se tomó como un asunto de racismo. Los llamados rechazos que más dolieron fueron Will Smith por Concussion, Samuel L Jackson por The hatefull eight e Idris Elba por Beats of no nation.

Este año aunque se podría pensar que es por pura política, los artistas de color se lucieron, pero de verdad. Mañana se leerán las decisiones de los aproximadamente siete mil integrantes del consenso de la Academia, y esperamos justicia y equidad. Sin embargo lo más importante es el reconocimiento de la gente que es impactada a lo grande con semejantes historias cargadas de  humanidad y sensibilidad.

Anuncios

ARRIVAL:VILLENEUVE Y LOS LIMITES DEL LENGUAJE.

Cuando empiezas a ver Arival lo haces con gran expectativa; en primer lugar porque hay una entidad altamente admirable coordinando la obra, y hablo de Dennis Villeneuve. En segundo lugar por la asombrosa recibida que le ha dado el público al elogiarla con tan contagioso entusiasmo.

Dennis Villeneuve es un director que no se repite, aunque suele manejar el ritmo de sus narraciones visuales de una forma pausada y llena de intriga, sus trabajos no se parecen; lo que habla muy bien de su capacidad como realizador, y no es que directores con un estilo marcado como Nolan, Fincher o Wes Anderson sean malos, porque obviamente no lo son. Ellos son grandes y han definido su estilo propio, sin embargo Dennis practica algo que leí y que dijo Darren Aranofky: Que la historia dicte el estilo.

  Me gusta pensar de Villeneuve que es un autor en Holliwood, de hecho es algo impensable que después de su primeras películas sea un director tan aclamado al punto de ser el encargado de realizar la secuela de la clásica obra de Riddly Scott, Blade Runner: 2049.

¿Qué tiene el cine de Villeneuve?

Al igual que directores que se han ganado un respeto y un prestigio en Holliwood como Christopher Nolan y David Fincher; el joven canadiense  cuenta con un agregado en su manera de realizar que es esencial en la actualidad: una visión realista. Antes los directores hacían películas que parecen películas, ahora los mejores procuran dotar su cine de realismo. Barry Jenkins lo dijo hablando de Moonlight: Trato de presentar imágenes que no parezcan creadas. Cuando vemos una película de Michael Bay o Zack Snyder no dejamos de saber que es solo una película por toda su atmósfera, performance y movimientos de cámara exagerados e innecesarios (calidad técnica innegable), en cambio Nolan, Fincher y Villeneuve nos hacen olvidar que estamos viendo una película, y ese es el caso de Arrival.

Muchos pueden decir que es un pretencioso, pero en mi opinión y en la de muchos que piensan igual, Villeneuve sabe que lo mejor de comer es saborear y no engullir. El ritmo pausado es al igual que en las películas de Kubrick, un paseo exquisito por sus mundos narrativos. En sicario, un thriller de trafico y carteles de frontera caminamos en los oscuros terrenos de un mundo subterráneo que está allí siempre pero que no conocemos, es  un paseo que con la guía de Dennis Vlleneuve se hace intrigante y sobrecogedor al ser detallado y pausado.

La películas de Villeneuve son muy subjetivas, es decir que lo que vemos es mayormente el punto de vista de un personaje que desconoce lo que realmente pasa, esto nos lleva a una experiencia de exploración y de revelares que se acrecientan con el avance del metraje. Sicario pudo, de la mano de otros directores haber sido una película de acción con un trato superficial del tema y ni siquiera hubiéramos visto el mundo como un lugar que se va deshumanizando, pero sin necesidad de explicar mucho, vemos una realidad desde adentro a través de una Emily Blunt tan confundida como nosotros viendo la película porque al igual que en  Arrival, vemos prácticamente con los ojos de la protagonista.

Arrival no es una historia típica de  advenimientos alienigenas o de invasiones. Aunque es una historia ya contada muchas veces, esta vez es tratada con mucha superioridad en estilo (visual), trama, narrativa y enfoque temático.

arrival4

La historia sigue a una joven lingüista que es reclutada por los altos mandos militares para que averigüe qué quieren unos extraterrestres que acaban de arribar a la tierra. En su jornada la joven lingüista (Amy Adams) va aprendiendo a comunicarse con los visitantes y dominando el lenguaje propio de estos. Adaptación del relato corto “The Story of Your Life” del escritor Ted Chiang, ganador de los reconocidos premios de ciencia ficción Hugo y Nebula.

Una cosa cierta, expresada pobremente, es una mentira. 

Arrival expone la barrera del idioma en su mas alto grado de complejidad y desafío. Es cierto que entre extranjeros tenemos dificultades para darnos a entender incluso si hablamos el mismo idioma pero provenimos de diferentes regiones, sin embargo enfrentarse a una situación en la que se debe intercambiar ideas con seres  de otros mundos no conocidos sabiendo y teniendo en cuenta que cualquier equivocación o mal interpretación podría desencadenar una guerra o el exterminio de la raza humana ya es el tope de los retos lingüísticos.

No hay pensamiento sin expresión, ni contenido sin forma de idea.

Para la protagonista de Arrival el lenguaje es la piedra angular de la civilización mientras que para su compañero el científico matemático encarnado por Jeremy Renner, la piedra angular de la civilización es la ciencia. Ambos, Amy Adams y Jeremy Renner hacen equipo en la misión mas importante de la raza humana; interactuar con extraterrestres y descubrir si traen paz o destrucción.

Los extraterrestres Abbot y Costello (no son Kang y Kodos) entienden los muchos idiomas de la tierra pero no tienen la capacidad de articularlos, en su lugar usan una representación gráfica de sus pensamientos e ideas dibujando una especie de círculos o aros con ornatos que varían según la palabra que quieran decir; esto hace que la experiencia de aprendizaje sea bastante creíble ya que Louise Banks (no Lane aunque se parezca) crea un diccionario digital después de haber interactuando un tiempo con sus nuevos amigos.

arrival-language-2jpeg

En un mundo que se polariza políticamente es obvio que la humanidad necesita que alguien le abra los ojos. El mundo está en guerra. Hay países poderosos que acumulan cada vez mayor cantidad de armas que se hacen cada vez mas sofisticadas; algo de lo que expone Oliver Stone en el caso Snowden, pero como los esclavos no conocen la libertad, el libertador tiene que venir de afuera, mas o menos lo que se expone  en El día que la tierra se detuvo, pero con temas actuales y mucho mejor lograda. En el día que la tierra se detuvo, Keanu Reeves intenta determinar si los humanos pueden revertir el daño ambiental mientras que en Arrival, Costello y Abbot traen un Arma, un poder, una herramienta, un presente para la humanidad con el fin de unificar las naciones y mantenerlos fuera del auto-exterminio por tres mil años más hasta que los calamares gigantes necesiten nuestra ayuda.

arrival.png

Dennis Villeneuve demuestra que es un director que sabe tomar control total de la obra y del performance de  sus actores. En el caso de Amy Adams muchos dicen que se vuelve cómplice del director al seguir el ritmo pausado de la película. No sé cómo se leerá este guión, pero desde las actuaciones, la fotografía y el montaje el ritmo lento  de Villeneuve y su equipo nos lleva siempre a un punto siguiendo como guía los efectos y los impactos del idioma.

En el caso de Arrival el idioma es lo más importante. Los protagonistas no entienden a los visitantes, pero según van interactuando con ellos crean un diccionario con el que pueden hacer varias preguntas y entender varias respuestas, pero como lo explican en la película, estas criaturas tienen la capacidad de escribir lo que piensan como quien escribe con ambas manos desde ambos extremos sabiendo que la frase o el párrafo terminará donde se encuentren ambas manos. Esto supondría que quien escribe sabría exactamente cuantas palabras va a usar y cuanto espacio requerirá para su escritura y lo más cumbre, lo hará en cosa de segundos. Es te es el modo en que escriben Abbot y Costello, pero también el modo en que se cuenta la película. Desde que empieza Arrival con la muerte de la joven hija de Amy Adams y luego a vemos dando clases en un salón de universidad, asumimos que estamos viendo una historia lineal y cada vez que vemos las escenas de Adams con su hija, pensamos que son flashbacks, esto porque no entendemos como se comunican Abbot y Costello, no sabemos que la pelicula está escrita como si lo hubieran hecho ellos, los extraterrestres.

Debo destacar que el ingenio usado en Arrival va más allá de la historia, el guión y los giros. El hecho de haber creado un lenguaje alienigena con todo y escritura dentro de la ficción hacen de esta pelicula un trabajoartistico de alto ingenio. Al verla no podemos pensar que es algo humano; son patrones para nada familiares, pero muy consistentes  y detallados. Tengo que imaginar que así como fue difícil para Banks descifrar este lenguaje, lo fue para el equipo de arte y producción diseñarlo, es algo digno de honrar. De hecho encontré algo de lo dicho por el guionista Eric Heisserer al respecto:

Fue un proceso largo y arduo para mí. "Comencé a tratar de describir el idioma 
textualmente en el guión, pero estaba insatisfecho con mis propias descripciones. 
Me estaba quejando ante mi esposa en la cena y me desafió a dibujar para ella 
 como lucían. Así dibuje un símbolo circular para connotar la ortografía
 no lineal de los heptapodos, y agregué algunos acentos y círculos alrededor de
 los símbolos. Fue la primera vez que puse cosas visuales en un guión ".

Arrival-Amy-Adams-on-alien-ship.jpg

Los flacksbacks no son flacksbacks, son flasksforward. Estamos siendo presa de la narrativa de dos pulpos gigantes, narrativa que Eric Heisserer guionista de la película usa para la adaptación de el libro The story of your life, que por cierto no leí… En medio de esta historia contada de manera no lineal como se suele hacer en la actualidad. Somos testigos de la tensión y la desconfianza entre los países y sus defensas.

La película usa como preludio una terrible perdida que tuvo el personaje principal, con esto no entendemos lo que pasa porque no entendemos el extraño lenguaje de los heptapodos.

La llegada es un asunto internacional, cada país se encarga de atender a sus visitantes, pero los mas relevantes en la película son los que tienen quizá la mayor potencia militar y pueden reaccionar hostilmente si algo no les agrada; China, Rusia y Estados Unidos. Cada una de las naciones tiene su propia manera de buscar la solución, incluso nos enteramos que los  chinos se comunicaban con los extraterrestres por medio de un juego de mesa mientras Louise Banks lo hace con una sencilla pizarra acrílica y un marcador sharpie o faber castle.

Louise Banks es una catedrática escritora sobre el lenguaje y la comunicación, ella cree firmemente que el idioma es la base fundamental de la civilización y entiende que cualquier malentendido entre los interlocutores puede desencadenar  un terrible conflicto o una guerra. Cuando se presenta algo como una llegada alienigena, las reacciones pueden ser muchas. Las escenas de Maracay, Venezuela muestran como se puede perder el control fácilmente y caer en el terreno de las manifestaciones violentas. Los venezolanos ni siquiera atancan las naves, se atacan entre ellos. Los soldados del mismo campamento donde están los protagonista pierden la paciencia y plantan una bomba, ellos reaccionan a la impaciencia de muchos espectadores que al punto en que está la quieren lo que ellos llaman acción y no la tienen porque Villeneuve no necesita vertiginosidad, disparos y explosiones para regalarnos la mejor y mas importante película de ficción.

maxresdefault.jpg

Si queremos sobrevivir como especie, expone el discurso de Arrival, necesitamos ver mas allá de nuestras narices y entender el punto de vista que tienen otras naciones y otras culturas. La humanidad quiere saber que hay fuera de la tierra allá en el espacio, pero no ha terminado de entender a sus compañeros de especie.

El regalo de Abbot y Costello para Louise y la raza humana es un idioma que nos una a todos, un idioma que trasciende el tiempo y el espacio y que nos permita ver las consecuencias del camino que estamos tomando. El concepto al que nos lleva la narrativa de Arrival es el de un futuro que influye en el pasado, algo que para muchos no tiene sentido porque no conocemos el futuro aunque de hecho sí conocemos  las consecuencias de muchas de nuestras decisiones. Este concepto es esencial en la película para poder lograr un gran climax y un gran giro con la pregunta de Amy Adams. ¿Quien es esa niña? hablando de su hija a quien recuerda sin siquiera haberla tenido. Amy lee un libro de su autoría que aun no ha escrito y recuerda una conversación con el ministro de China que aun no ha tenido después de descubrir que gracias al don que se le ha otorgado puede desplazar su memoria al futuro como si fuera el pasado.

La película nos habla de las limitaciones de la comunicación humana, de el miedo a lo desconocido, de la esperanza, de las posibilidades de un cambio mundial, de una superación de especie que nos lleva a entender mas altos conceptos y que nos hace libres de nuestras propias y muchas veces innecesarias guerras.

Cuando pensamos en la ciencia ficción, creemos que es algo sobre el futuro, pero la realidad es que la ciencia ficción funciona como metáfora de las civilizaciones actuales o del momento en que se escriben las historias. Arrival, es eso; un tratamiento sobre nosotros, sobre el lenguaje como regalo para unirnos, sobre las relaciones, las dudas, los miedos, los malentendidos, las políticas, pero más que eso, Arrival es una de las mejores y mas necesarias películas del 2016. Es una obra de arte muy bien imaginada y con sorprendentes giros que simplemente hace que mis dos mil palabras se queden cortas en este tratamiento que al releerlo se hace simple y superficial.

ELLE: VERHOEVEN Y LOS EFECTOS CORROSIVOS DEL DESEO.

El cine es ciertamente una puesta en escena, una farsa, una comedia, una dramatización, una exageración, una visión de mini-sociedades, un sueño materializado, un deso, una parabola de la vida misma. Con cada pelicula nos ponemos los lentes del realizador y vislumbramos una versión muy distinta a la nuestra acerca del mundo en el que vivimos. Las peliculas funcionan como espejos para hacernos ver en un sentido filosofico el alma y los deseos humanos; las sombras que cada uno de nosotros poseemos y que intentamos ocultar ante nuestros semejantes, de allí que las películas no se pueden tomar siempre como algo literal. Todo esto para hablar solo un poco de Elle (2016) de Paul Verhoeven.

elle y verhoeven.png

En Elle, Paul Verhoeven nos presenta a una ejecutiva de empresas productoras de videojuegos y a una minisociedad que acumula cientos de fierros torcidos y que no escatiman en mostrar como si se tratara de medallas de honor. Con un transparente descaro Michele, su familia, amigos y vecinos exhiben sus sombras como las bombillas exhiben su luz. De las mejores peliculas del año, Elle es una comedia negra sobre la familia y los  efectos corrosivos del deseo.

Elle es una pelicula necesariamente impredecible sobre una mujer que ha sido violada y que en la busqueda de su venganza decide disfrutar las violentas visitas de su perpretador; para ello, Verhoeven confecciona un backgroud solido que dentro del universo descarado y retorcido en el que se desenvuelven los personajes le da firmeza a sus comportamientos  violentos y masoquistas, con un performace realmente soberbio por Isabelle Huppert como protagonista, Verhoeven da una pisada bastante fuerte para dejar una marca de su regreso después de una decada de ausencia.

elle-cannes.jpg

Dentro de un extraño universo solo la niña que acompañaba a su padre en sus jornadas de asesino en serie podría convertirse en una mujer dura y firme que odia la intervención de la policia y que transforma el trauma en placer; así se nos hace un poco más  creíble la trama de Elle que nos lleva en una secuencia de investigación para saber quien es el agente abusivo, secuencia interrumpida por diferentes momentos de la experiencia traumatica faciles de confundir  con flasbacks o con secuencias oniricas hasta mostrarnos la cara del perpretador. De allí en adelante comenzamos a entender que el trauma se va difuminando hasta verse como placer; un fenomeno que dentro del universo en que se relacionan estos remedos de personas, no podría darse de otro modo.

elle-banera

…Pero, ¿de qué habla esta película? ¿es acaso de lo lejos que puede llegar el deseo de experimentar algo nuevo en las relaciones físicas o  de conseguir en las relaciones enfermas lo que no se consigue en la vida cotidiana por más interesante que sea tu vida? ¿es sobre las malas costumbres arraigadas que aunque las detestas no sabes como vivir sin ellas? ¿ es un discurso sobre la depravación de una sociedad que convierte el sexo en una simple herramienta y lo lleva a extremos donde ya no existe la verguenza? ¿es sobre la idiotez de vivir engañado por propia decision solo para no estar solo? las situaciones de las historias que se cruzan son extrañas: vemos a una exitosa ejecutica que disfruta ser violada, un hombre blanco casado con una mujer igual de blanca que no se da cuenta que su hijo es negro como el amigo de su mujer, un vecino violador que aun despues de ser desemascarado vuelva a la casa de la victima a seguir haciendo de las suyas, una heroina de videojuegos cuyos obstaculos son monstruos viloadores y una mujer que tiene una relación lesbica con la amante de su esposo. Nada lógico en una obra que te puede dejar mucho que pensar o simplemante verla y dejarlo así.

I ORIGINS: LOS ORIGENES DEL OJO

Una película sobre el origen y la trascendencia humana que sabe tocar la fibra de los sentimientos con su sutil manera de introducirnos a sus personajes y las creencias de cada uno de ellos a partir de algo tan desapercibido en la vida cotidiana como son los ojos.

Critica-de-Origenes-I-Origins-gafas.jpg

I origins de Mikke Cahill es una refrescante obra cinematográfica que coloca en disputa  algunas teorías sobre el origen de la vida y  el destino del hombre después de la tumba. Con un joven científico experto en biología molecular y obsesionado con los ojos como personaje principal I origins nos introduce en una investigación científica que cambia de dirección gracias a la aparición de un exótica joven que asegura entender cosas que sobrepasan los datos científicos.

El ser humano por defecto ha buscado desde tiempos remotos una verdad que lo haga descansar y que le brinde esperanzas; por un lado están las teorías científicas que como dice el protagonista cambian con cada generación porque no son verdades fijas y por el otro están las teorías religiosas que  en muchos casos se acomodan a la condición del hombre para hacerlo sentir mejor consigo mismo: Ambos extremos muchas veces centrados en el egoísmo y en la supervivencia. En el caso de I origins nos topamos con un joven científico  que desde niño despertó una obsesión por los ojos que lo  llevó a estudiar y ejercer una carrera en la que estudiaría el órgano visual a total detalle.

FA9.jpg

Ian Grey (Michael Pitt) es la encarnación del científico que habla de una manera pero que vive de otra. Es un estudioso que afirma creer únicamente en los datos pero que se contradice al disfrutar plenamente de la vida y del amor, y aunque trata de analizarlo todo en ocasiones tiene que dejar de pensar y simplemente sentir. Esto pone frente a nosotros a un protagonista que pretende refutar la existencia de Dios pero que con su vida le da razón a las creencias espirituales como el amor, la ética y la moral al tomar decisiones en su vida que intentan no quebrantar las reglas; Prácticamente sus únicas acciones rebeldes son el intentar modificar lo ya creado y el negar con su boca la existencia de un creador inteligente, y es que como ya dije; el enfrentamiento entre ciencia y religión es el eje principal de la película, enfrentamiento guiado por un par de ojos excéntricamente hermosos.

Los ojos son una de las evidencias que toman los creacionistas para defender la creencia del diseño inteligente, creencia que no comparte las teorías sobre la reencarnación, como lo dijo el mismo Orígenes: La transmigración es ajena a la iglesia de Dios. Ahora, el Orígenes de la película representado por este joven científico que no cree en Dios pero tampoco en las tendencias orientales que hablan de reencarnación y vidas pasadas, el Orígenes de esta película que lleva un titulo que bien se podría traducir como Yo Orígenes; es decir que el protagonista se coloca como una versión moderna del antiguo estudioso de la teología pero parado en una plataforma de datos científicos. Otra peculiaridad del titulo es que la palabra Yo en ingles que se escribe I, también es la inicial del personaje principal Ian, osea que otra traducción para el titulo del filme puede ser Ian Orígenes y si pensamos en el sonido de la composición del titulo se podría confundir fácilmente con la pronunciación inglesa Eye origins que relaciona al ojo con el origen o el diseño. En fin, es una película hermosa que usa de la filosofía, la ciencia y la religión para contarnos una historia de  amor, persistencia y vida mas allá de la muerte.

cinema0043-1.jpg

Ian Grey está construido con piezas de diversos teóricos especialistas en los temas centrales de la película; Por ejemplo: Richard Dawkins a quien por cierto el protagonista lee en un momento del filme. Fue un biólogo evolutivo que popularizó una refutación gradualista del proceso evolutivo del ojo. El habla del organismo ocular de un modo parecido al de la película refiriéndose a una célula que es capaz de percibir la luz pero no de crear imágenes, esto con el fin de sostener la teoría Darwiniana de la evolución, aunque Darwin mismo dijo en su momento que la evolución del ojo es algo difícil de imaginar.

La película como la mayoría de las obras cinematográficas mueve a los personajes en un mundo propio de la obra muy a pesar de que ese mundo se parezca al mundo real, así mismo las teorías científicas como las espirituales aunque basadas en teorias discutidas por muchos estudiosos, no son mas que sombras sin sustancia. Ian representa a la ciencia intentando refutar las creencias religiosas y su novia Sofi con quien lleva una relación muy apasionada y a la vez discrepante justamente debido a estos temas representa la perspectiva espiritual en la disputa, mezclando creencias con ficción. Para el guion es muy sencillo encontrar una evidencia científica de la reencarnación y de hecho supone una especie de poder metafísico intrínseco a la misma expresado en el personaje de Sofi y es allí donde las teorias se contradicen. Tenemos una ciudad en la india donde la gente ya no cabe aunque antes seguro sí cabían, es decir que existe mucha gente nueva que nacieron sin necesidad de que alguien mas muera para que el alma transmigre a un neo nato y justo en un lugar tan sobrepoblado aparece la evidencia viva de la reencarnación.

Si la reencarnación existiera todos podríamos dejar de hacer lo que estamos haciendo, abandonarlo todo para poder hacerlo en una vida próxima. Esto también pondría en contraste a las personas nuevas y a las reencarnadas como un aparato recién fabricado y otro con las piezas faltantes de alguno que ha dejado de funcionar. Es algo tonto y nos dejaría como simples maquinas sin propósito verdadero ni destino.

La teoría de la evolución por su parte sigue siendo eso, una teoría que no termina de sonar coherente y que no presenta pruebas soportables para mantenerse en pie, sobretodo porque quienes apoyan esta teoria lo hacen con fines filosóficos en su mayoría y no netamente científicos.

I Origins es una película que como dije  se disfruta mucho y resulta de las mas agradables y tiernas, pero peca de cruzar el charco sin mojarse mucho al esforzarse por no ser transgresora u ofensiva. Cuando se enfrentan estos polos que honestamente pienso que no deberían ser contrarios, normalmente se crea una gran controversia. I Origins resulta muy amistosa para los temas que plantea y deja muchas de sus meditaciones como insustanciales al no mantenerse apegada al realismo y en lugar de ello despegar hasta lo fantástico como se puede ver en el esperanzador post créditos que idealiza un futuro mejor gracias al regreso de los próceres del pasado.

Al final la meta de I Origines no es la de demostrar que la evolución es un hecho como nos lo hacen creer al principio, sino mostrarnos  como real la reencarnación a través del ojo. Mientras la evolución habla de a supervivencia de los seres biológicos, la espiritualidad habla de destino, graficado en una escena en la que el numero 11 se presenta como una señal repetida que lleva al incrédulo protagonistas a los ojos del amor de su vida. Lo digno de flores en la obra de Cahill es la esplendida dirección que mantiene siempre ese todo que permite las muchas incongruencias de guión, por esto I Origins es una película que amaré, por esto y por la interpretación muy creíble de Brit Marling como la asistente del joven científico, Karen.

Con esta película he llegado a la conclusión de que a pesar de las incongruencias de un guion o la superficialidad con que se tocan algunos temas, no le quitan lo agradable y refrescante a la obra final. pienso en I Origins que por encima de sus carencias es tal como debería ser, aunque alguien debería con otra visión tocar estos mismos puntos en mi opinión.

CAFÉ SOCIETY (comedia triste)

Woody Allen tiene una escritura capaz de lograr un encanto milagroso y sabe diferenciarse cualquier otro guionista o director con su peculiar estilo narrativo y personajes que llevan siempre su firma.

cafe.jpeg

Café society es la nueva comedia romántica de Woody Allen que intenta mostrar en una impresionante puesta en escena la irracionalidad del amor, y es que el amor y sus complicaciones es el tema central de esta peculiar comedia de época que cuenta la historia de un joven neoyorquino que viaja a Holliwood para conseguir trabajo con un tío Steve Carell, que  labora como agente de grandes estrellas de cine y que tiene un amorío con su hermosa secretaria Kristen Stewart a quien describe como un ángel por quien dejaría a su esposa, pero al no cumplir su promesa, la angelical secretaria consigue un lugar en los afectos del ingenuo joven neoyorquino interpretado por Jesee Eisemberg que demuestra amarla de verdad desde el primer momento.

Café-Society-1.jpg

A nivel de trama es extremadamente sencilla, tanto que para tratar de equilibrarse sigue lo que serian tramas secundarias totalmente desvinculadas de la trama principal, no es muy positivo pero es entretenido ya que si no te contaba la historia de dos hombres enamorados de la misma mujer, te cuenta las particularidades de los años 30s tales como: Los prestigiosos  clubes nocturno, los desalmados gansters que ajustaban sus cuentas quitándole la vida a quienes les debían algo, el sueño holliwoodenese de los jóvenes que salían de sus pueblos natales con la ilusión de  triunfar como estrella de cine y por supuesto del amor que es lo que me gusta pensar es el tema central de la película, o mejor dicho, la pasión; la pasión por la vida, por los sueños y por esa persona que no se puede olvidar a pesar de los años.

Mas allá de la premisa a la que bien se le podría haber sacado mucho pero mucho mas jugo, Café society es una película que habla y digo hablo porque no termina de hacer sentir lo que debe transmitir; me refiero a la pasión. Como siempre Allen aunque nos presente una extraordinaria película que cuenta con una fotografía realmente preciosa y que se hace mas atractiva visualmente por la dirección de arte, la producción y el vestuario que bañan la pantalla de una paleta de colores típica de las películas que aluden a la nostalgia de los años 30s y la edad dorada de Holliwood, pero no termina de transmitir su intención original y no se si es porque recurre al relato hablado vacuo de poesía y sentimiento o porque sencillamente la historia serpentea de un lado a otro como si no supiera a donde tiene que ir. Puede decirse que lo mismo sucede con otras entregas similares como ¡Salve Cesar! de los Coen brothers o Trumbo, protagonizada por  Bryan Cranston, pero en este caso la inestabilid del propósito inicial de la película es mas notorio.

cafe society.JPG

El octogenario director de Anni Hall nos regala una obra visual bastante atractiva y agradable a los ojos, que bien podría postularse a los próximos premios de la academia con las categorías de Mejor dirección de arte, mejor vestuario, mejor producción y mejor fotografía; aspectos muy importantes para una película pero que no pueden ocultar las flaquezas en otras áreas de la obra cinematográfica.

La película trata de establecer las grandes diferencias entre la vida engreída de las estrellas de cine y la vida sencilla de aquellos que son románticos soñadores, dejando que al final triunfen las apariencias sobre la autenticidad. También se acerca a temas como la vida después de la muerte y las diferentes religiones y sus creencias con respecto al mas allá.

cafe society  2.JPG

En fin; la sutileza en las interpretaciones y la nostalgia hacia los años dorados de Holliwood junto a  las relaciones entre los personajes  hacen de Café Society una elegante comedia agridulce tocada por la tristeza y el arrepentimiento, el humor y el desamor, sueños y realidad, presencia y ausencia, la languidez y la brillantez. A pesar de los traspiés internos, definitivamente una película buena, aceptable, agradable y recomendable; puede que incluso sea una de la mejores del 2016, pero no para ser recordada como las anteriores obras de aquel no se despide aun de Manhattan.

CAPITÁN FANTÁSTICO vs EL SISTEMA

El 2016 nos ha traído grandes historias y entre ellas se encuentra la refrescante y simpática Captain Fantastic ,  dirigida por Matt Ross responsable de la no muy conocida 28 HOTEL ROOMS (2012) quien ha conseguido con esta nueva cinta un efecto que no se experimentaba desde Little Miss  Sunshine (2006) y me refiero a esa sensación particularmente entrañable causada por las buena películas de familia bien confeccionadas.

1366_2000.jpg

Capitán Fantástico cuenta la historia  de un hombre  que ha pasado diez años viviendo junto a sus seis hijos en unos remotos  bosques al noreste del pacifico y que  luego por una terrible  circunstancia debe junto a su familia abandonar su modo de vida y  volver a la civilización donde no les será sencillo adaptarse. Con esta premisa se nos  introduce a la imagen de  la soñada vida hippie totalmente opuesta a la forma de vida llevada por la civilización actual con un personaje principal encarnado de forma soberbia por el gran Viggo Mortensen rodeado de seis jóvenes increíbles que te invitan a ser como ellos desde las primeras imágenes llenas  de calidez  y fraternidad imposibles de ignorar.

Es bueno ver una película que te presenta una historia cálida con interpretaciones que se convierten en dueñas de la obra que es lo que  hace Ben (Mortensen) al poner en escena de forma intachable a ese cariñoso padre que debe lidiar con la posibilidad de que su propio espíritu libre y arrogante podría en realidad dañar a sus propios hijos  que con total devoción confían en él siguiendo sin titubear cada uno de  sus pasos, claro que mucho de la figura forma parte de una  fantasía idealizada por los los ideales y filosofías anti-sistema poco viables en la vida real, pero esto no le  quita méritos a los personajes y mucho menos a las interpretaciones.

CAPTAIN-FANTASTIC_ROSS_PHOTO2-0-2000-0-1125-crop.jpg

De las mas aplaudidas en el pasado Sundance Festival, la película plantea temas complejos como la crianza de los hijos, las creencias, la filosofía de vida, la educación y cosas aparentemente mas sencillas  como la alimentación.

El Capitan Viggo tiene bien definida su visión de la vida, lo que es apropiado y lo que no desde su ideología de izquierda apartada de las formas y conceptos que nosotros  acostumbramos y como padre inculca a sus hijos asumiendo la  posición de maestro, de escuela y universidad llegando a formar a seis ávidos y jóvenes lectores capaces de responder cualquier pregunta que se les haga y de  defender sus puntos de vista con palabras llenas de lógica y cultura como si fueran grandes profesores de ética, política o economía en grandes universidades, el problema es que a la hora de enfrentarse a la vida fuera del bosque y de los libros las herramientas les faltan, al punto de no saber siquiera como lidiar (en el caso de Bo el hijo mayor del capitán fantástico) con la chica que le gusta. En resumen, Ben cría seis jóvenes prodigio capaces de sobrevivir a cualquier situación en medio de la profunda naturaleza, pero no para  enfrentar las cotidianidades  de la vida urbana.

Es una historia con características de road movie, drama familiar, comedia y muchos  colores.  Carismática, enternecedora y llena de posibilidades para convertirse en una película inolvidable.

Matt Ross con esta historia consigue un equilibrio entre la provocación y la inocencia que bien podría en algunos casos traducirse como manipulación o temor a herir susceptibilidades, pero es un equilibrio al fin netamente necesario para convertir película memorable y no una caricaturización como Family weekend (2013). Una película como esta resulta icónica al saber mantener el equilibrio entre la diversión y la reflexión, la fantasía y la realidad, lo posible y lo improbable, la comedia y el drama. En definitiva, Matt Ross logra una compañera para Little Miss Sunshine al confeccionar una obra con pequeños aires a Wes Anderson y quizá un poco, no mucho (ya que pudo haber sido ligeramente mas atrevida) de Diablo Cody. 

RIGHT NOW, WRONG THEN (cine sobre el autor)

Muy recientemente vi esta película  coreana que aparece  en varias listas de las mejores películas del 2016. Dirigida por Hong Sang-soo quien se ha  dado a conocer entre los adeptos al cine no comercial y que de alguna manera ha contado la  misma historia de diferentes maneras, en esta oportunidad utiliza una historia anecdótica sobre  conversaciones entre recién conocidos que  recuerda a Lost in traslation (Sofia Coppola) para retratar su punto de  vista  aparentemente de  sí  mismo y  de  su cine.

rnwt.jpg

Al ser esta una película extremadamente  sencilla y natural nos  dice que sigue creyendo en un cine alejado de las  complejidades técnicas y de las grandilocuencias, con diálogos que lo confirman como: No existe la palabra adecuada/perfecta, todas las palabras son sonidos. Y es que sus diálogos mas que platicas estructuradas bajo técnicas, parecen mas bien conversaciones triviales, lo que por cierto le da un realismo a los personajes bastante creíbles apoyados por tomas estáticas de larga duración. Cada conversación es filmada en una única  toma  fija de manera que no existen los  acostumbrados cortes en el montaje y los planos sobre el hombro mostrando cada cinco segundo la nuca  del interlocutor, el diseño de producción es  tan tenue que parece incluso no estar  trabajada. Con un aire  de imperfección es sin duda una  película que agradará a quienes acostumbran ver un cine mas allá del cortado por las tijeras  holliwoodenses.

rnwt2.jpg

Right Now, Wrong then no es la típica historia de  romance gringa en la que los protagonistas pasan por  situaciones ridículas o se la pasan visitando locaciones conocidas de las ciudades que todos muestran en sus comedias románticas. Aquí no hay una escena de sexo surrealista después  de conocerse en una fiesta y mucho menos una declaración de amor en un aeropuerto;  esta es una película que cuenta una  de las anécdotas mas  comunes pero entrañables que podemos tener la mayoría al visitar algún pueblo o ciudad distinta al nuestro, donde  conocemos a alguien con quien tenemos mucho en común.

Esta película parece ser un reflejo del director y su visión. En primer lugar está la extremada sencillez de la historia y de la técnica que son parte de su identidad como cineasta y  en segundo lugar está el hecho de contar la misma historia dos veces, con apenas unas pequeñas diferencias; esto último habla de su obsesión por hablar siempre de lo mismo pero en diferentes formas.

El poder que  tiene esta película en particular  es el de convertir la anécdota en un espejo universal, con su profundidad y gracia afable que nos hace sentir tan llenos al sacarnos una honesta sonrisa cada tanto. Al contar la historia de un cineasta y relacionar el trabajo de hacer cine y vivir Hong Sang-soo nos dice  que su cine está  hecho de esas minúsculas fragilidades cotidianas experimentadas en primera persona y por supuesto de la más pura humanidad.

Es difícil aveces encontrar un cine tan discreto, humilde y humano que sabe acercarse a los comportamientos  mas básicos del hombre y la mujer y que a pesar de ser una historia con personajes ajenos a la gente de nuestra cultura y lugares no comunes para el mundo occidental, es una obra que sabe con delicadeza superar las  barreras y llegar hasta la intimidad.

El director que protagoniza la anécdota está  de visita en un pueblo para dar una pequeña charla sobre  su cine luego de la proyección de una de  sus películas, pero como llega un día antes del acordado para su compromiso pasa el día conociendo a una  joven pintora con quien rápidamente crecen hermosos lazos de amistad, romance y sinceridad que se completan en la segunda parte de la película donde se cuenta nuevamente la historia con pequeñas alteraciones que le dan un resultado final distinto al de la primera versión.

Algo que me llama la atención es la escena donde da su charla sobre su cine independiente y da gracias por la concurrencia que no son mas de cinco personas; aparentemente el director sabe que su cine no es para todo el mundo y lo refleja con una imagen muy clara de una sala prácticamente vacía.

¿Por  qué contar la misma historia dos veces? En mi opinión no hay nada mas humano que arrepentirse de algunas cosas hechas o no hechas y de alguna manera  desear que algunos detalles de la experiencia anecdótica hubieran ocurrido de otra manera, sobretodo si esa experiencia incluye a una persona de sexo opuesto que nos atrae  mucho. Nos preguntamos como sería todo si el encuentro hubiera  resultado diferente a como en realidad fue y nos damos la respuesta con la capacidad innata de imaginar. En esa  segunda versión creada por nuestro imaginario resulta que somos mas resueltos, mas decididos y mas confiados con lo es el Señor Director en la segunda parte de Right now wrong then, que es una película que muestra dos versiones de la misma historia, dos versiones del mismo hombre y dos estados de animo, y aunque dos versiones una sola  esencia.